アムランとタカーチ四重奏団の初共演によるシューマンの室内楽アルバム
シューマン 弦楽四重奏曲第３番、ピアノ五重奏曲
アムラン(pf) タカーチ四重奏団
ハイペリオン ２００９年 CDA67631
ハイペリオンから先般リリースされた、タカーチ四重奏団の演奏によるシューマンの室内楽アルバムを聴きました。
シューマンの弦楽四重奏曲第３番とピアノ五重奏曲を組み合わせた内容ですが、ピアノ五重奏曲ではピアノ・ソロを、現代屈指のヴィルトゥオーソピアニスト、マルク＝アンドレ・アムランが務めていて、アムランとタカーチ四重奏団という豪華な共演が実現されているのが興味を惹きます。
聴いてみると、最初の弦楽四重奏曲第３番においては、全編において安定した構成感からシューマンならではの幻想的な詩味や叙情性が曖昧なく披歴されていて、聴き進むほどに、その演奏の深い味わいが心に沁み入ってくる思いでした。
「幻想的」なのに「曖昧なく」というのは矛盾のようですが、キリッと音像を構成すればするほど、シューマンの音楽の根底に潜んでいる漠とした幻想性、いわばロマン派の情念のようなものが、音楽の表面に立ち現われるというような、そんな感覚ですね。ここぞという時の内燃的なパッションのほとばしりも素晴らしく、ハンガリーの団体でありながら、ドイツものを演奏させたら当代随一のカルテットとも言われる、タカーチ四重奏団の実力がいかんなく発揮された演奏だと思いますし、ブリストルのセント・ジョージ教会のまろやかな残響特性にしても、ここでのシューマンの音楽の性格を考えると、おそらく絶妙ではないでしょうか。
続くピアノ五重奏曲ですが、これがまた素晴らしく、その立役者は何といってもアムランのピアノ・ソロです。
ここでのアムランのピアニズムは、持ち前の超絶技巧を存分に駆使しながら、シューマンの想定する複雑なピアノの書式に対して何らの曖昧さも残さず、この上ない明晰性でバリバリと音化していきます。明晰に音化すればするぼどシューマンの幻想的詩味が増すというあたりは、まさに先の弦楽四重奏曲第３番と同じ図式であり、その意味では弦楽カルテットとソロの方向性は軌を一にしたものですし、両者の息もピタリとあっていて申し分がありません。
しかし、それ以上に私がこの演奏を素晴らしいと感じるのは、全編においてアムランのソロに闊達な訴求力が漲っていて、それが聴いていて痛快極まりないからです。
この点、私は今年の春先にリリースされた、アムラン初のショパン・アルバムを耳にした時、その感想として、その演奏技術の凄さに感心しつつも、「このピアニストでなければまず聴けないというような主観的な色付けを伴う表出力の化体の度合いが、このアムランのショパンには相対的に乏しい印象が否めず、そのため圧倒的な技術力のわりには、いまひとつ胸に迫り切らないような煮え切らなさが残ってしまった」と書いたのですが、要するにテクニック以外の主観的な色付けを伴う表出力の化体の度合いが希薄と思えた点が不満だったのでした。
それが今回のシューマンでは、スタンスがかなり変化しています。例えば、第１楽章の冒頭でメインのテーマがピアノ・ソロにより強奏提示されるところ、ここをアムランは渾身の力を込めた最強奏で弾き出し、初手から音楽に対する並々ならない意気込みを披露するのですが、ここは実は、スコア上は音量がｆ１つとなっていて、普通はこれほど大胆な打ち込みはしないところです。しかしアムランはそんなこと構うかとばかりにフォルテッシモで出します。
そうすると、この同じテーマが再現部のアタマでｆ２つの音量で提示される段ではどうするのかと思って聴いていると、その段(6:12)においては、やはり冒頭と同じくらいの強烈さで押し切っています。つまり明らかにダイナミックレンジを本来のシューマンの指定よりも拡張し、たとえｆ１つであろうと自分がフォルテッシモだと「感じる」ところでは自分の感性を優先してフォルテッシモを付与している、そんな主観的な演奏スタンスが伺われるのです。
以上は一例に過ぎず、このシューマンにおいてはアムランならではの主観的な色付けが随所に聴かれ、それが技術一辺倒でない、根元的な表出力に昇華されたような趣きが強く、タカーチ四重奏団という強力なバックアップを得て、聴いていて音楽が痛切に胸に迫ってくるような表情の強さとして結実されている、そんな感じがします。
それにしても、仮にアムランがこれほどの表現力を完璧に備えたとなると、テクニックが無上であるだけに、それこそ鬼に金棒どころの騒ぎではないと思うのですが、この演奏はタカーチ四重奏団との初共演という要因からくる変異的なものである可能性も、また拭いきれないように思うので、今後も同じ顔合わせでの共演が継続リリースされるか否かは分かりませんが、いずれにしても今後の動きに注目してみたいと思います。
パリー／ロンドン・フィルによるＲ・シュトラウスの歌劇「ばらの騎士」ハイライト盤
「シャンドス３０周年ＢＯＸ」につき、これまで収録盤の感想記を順に２１枚まで掲載しているのですが、続いてＣＤ２２を聴きました。
Ｒ・シュトラウス 歌劇「ばらの騎士」ハイライト
パリー／ロンドン・フィル
１９９８年録音
これはデヴィッド・パリー指揮ロンドン・フィルハーモニックの演奏によるリヒャルト・シュトラウスの「ばらの騎士」ハイライトで、オペラ全曲のうち以下の５つのシーンが収録されています。
�〜袷婉覆搬茖泳詼粗�のシーン（マルシャリンとオクタヴィアンの朝の二重唱）
��第１幕終盤のシーン（オックス退出の直後から終幕まで）
�Ｂ茖暇詼粗�のシーン（開幕からゾフィーとオクタヴィアンの出会いの二重唱まで）
�ぢ茖暇觸�盤のシーン（オクタヴィアンとオックスの決闘の直後から終幕まで）
�ヂ茖核觸�盤のシーン（オックスが退場する場面から終幕まで）
また、歌唱には原語（ドイツ語）ではなく英語が使われています。ディスクのジャケットには英語歌唱とは書かれていないため、最初オクタヴィアンが英語で歌い出すのを聴いて少々面喰らいました。
印象的には、やはり英語歌唱という点が良くも悪くも独特ですね。それがこのディスクの聴きものということにもなるようですが、、
率直に言うと、やはり原語歌唱に比べると聴いていて音楽の雰囲気として違和感を覚える部分が少なからずで、特にドイツ語特有の濃密な耳当たりが、英語に置換されたことでなんとなく軽く感じられてしまい、ここぞという時の歌唱高揚力が伸び切らない物足りなさがあります。
ただ局所的には、ある程度聴き慣れている原語歌唱と比べて新鮮に響くシーンもあります。例えば第１幕終盤のマルシャリンのモノローグ、「時は不思議なもの」のところを“time is a mysterious thing....”と歌い出すあたりの英語ならではの美しいニュアンスなどは、聴いていて思わずハッとさせられるものでした。
このように部分的に聴くとフレッシュな局面もあるものの、全体としては違和感の方が勝る、という按配で、その意味では全曲録音でなくハイライト録音として正解だったかもしれないですね。
主要キャストはマルシャリンがイヴォンヌ・ケニー、オクタヴィアンがダイアナ・モンタギュー、オックスがジョン・トムリンソン、ゾフィーがローズマリー・ジョシュア。いずれも歌唱力は申し分ないと思うんですが、やはり英語歌唱のためか、全体に発声が軽く、ある種の（リヒャルト的？）濃密さに不足する印象を拭えないように思います。
ヨーヨー・マとマゼール／ベルリン・フィルによるドヴォルザークのチェロ協奏曲
ドヴォルザーク チェロ協奏曲、森の静けさ、ロンド作品94
ヨーヨー・マ(vc) マゼール／ベルリン・フィル
ソニー・クラシカル １９８６年 SRCR2675
私は先週、サントリーホールでバイエルン放送交響楽団の来日公演を聴き、そこでヨーヨー・マ独奏のドヴォルザーク・チェロ協奏曲の実演に接し、ひとかたならぬ感銘を受けたのですが、その余韻がまだ冷めないうちとばかりに、ヨーヨー・マが初めて録音したドボコンのＣＤを久しぶりに聴いてみました。ここでの伴奏はロリン・マゼール指揮のベルリン・フィルハーモニー管弦楽団です。
これは既に世評の高い録音ですし、私などが演奏について今更何か言うこともないのかも知れないですが、マゼールの展開するスロー・テンポの上で、若き日のヨーヨー・マが繰り出す会心のチェロ独奏の切れ味が素晴らしく、演奏全体の充実感も惚れぼれするばかりですね。ドボコンの多くの録音中でも特筆すべき名演でしょう。
ですが、先週ヨーヨー・マの実演を耳にした上で、このＣＤを改めて聴いてみると、やはりチェロの対オーケストラバランスが、やや不自然な感じに映りました。
もちろんそれは実演を基準とした上での不自然さなので、ＣＤ録音としては全く標準的なバランスなのですが、ここでのベルリン・フィルが表出する響きの、破格なくらいの恰幅の良さと、圧倒的な重厚感に対し、ヨーヨー・マのソロががっぷり４つに受け止めているように聴こえるのは、やはり録音のマジックなのだなと聴いていて思わざるを得ません。
とはいえ、それは別に深く突っ込むような話でもなくて、実演は実演、ＣＤはＣＤと切り離して捉えればすむことですし、普通は誰でもそういう感覚で聴いているものだと思います。
それよりも、私が今回このヨーヨー・マのドボコン初録音を聴き、それを先週の実演での印象とひき比べて興味深く思ったのは、ボウイング表情の違いに関してです。確かに本ＣＤにおけるヨーヨー・マのソロ演奏は、凄いのですが、実演での呆気に取られんばかりだった、あの変幻自在ともいうべきボウイングの変わり身という点においては大人しくて、ひいては物足りない気がしたのでした。
そして、実演で聴かれたボウイング表情の多彩感という点においては、この初録音よりも、むしろ再録音盤の方に強く出ているのではないかと思い、そちらも聴いてみたのですが、やはりそうで、ことヨーヨー・マのソロ表情に関しては、初録音盤よりもマズア／ニューヨーク・フィルとの再録音盤の方に、先週の実演と明らかに近しい雰囲気が感じられました。
左が初録音盤、右が再録音盤です。
ヨーヨー・マが録音したドボコンは現在、上記の２種のみですが、この両演奏におけるコンセプトの違いを、ヨーヨー・マ自身が述べたくだりが、再録音盤のライナーノートに掲載されています。
それによると、彼は新録音では初録音の演奏よりも「旋律の下にあるものを重視した」と述べているのですが、まず「ドヴォルザークを他の作曲家と隔てているもの」を「信じられないようなリズムの変化の発明」にあると規定した上で、「旋律の下にはリズムの絶対的な秩序がある」ことを発見し、１０年前の自分だったら旋律を歌うことをとにかく重視したのに、今ではメロディの下にあるものを掬い出すことにより、この作品をさらに美しく聴かせたい、と述べています。
それでは、演奏もそうなっているのかと言うと、これは確かにそうなっていることが分かります。例えば第１楽章のソロ提示部の冒頭で、あの有名な主題をソロが出すところのボウイングを、両盤で対比すると、初録音盤ではかなりメロディアスにゆっくりと弾き出しているのに対し、新録音盤では勢いよく雪崩れ込むように弾き出しつつ、メロディの流れよりもリズム感を強く押し出したボウイングを披歴していることが、はっきりと伺われます。
おそらく初録音においては、大家マゼールの提供する伴奏のワクが、良くも悪くもヨーヨー・マのソロの方向性を規定していたのではないかと思われます。というのも、あの異様に遅いテンポでは、リズミカルに弾こうと思っても自ずと限界があるからで、逆に新録音だと、メロディにリズムを交えたボウイングの切り分けが、よりはっきりと打ち出されている感じがします。
この意味において、先週の実演でヨーヨー・マが披露した千変万化のボウイングの妙に近いのは、明らかに新録音だと思うのですが、それでは新録音と同じかと言うと、これがまた違っていて、実演ではさらに音色自体の魅力がぐっと深化していたように私には思われてなりません。つまり、先週の実演を踏まえた上で、改めてヨーヨー・マの２つの録音を耳にしてみると、何だかヨーヨー・マの、このドヴォルザークのチェロ協奏曲という巨大な作品に対する演奏スタンスの進化の過程が、うっすらと見えてくるような気がしたのでした。
ヨーヨー・マは、特に２１世紀に入ってから新譜リリースの頻度がグッと減っていて、それもクロスオーバー的な演目にかなりシフトしているように思うのですが、例えばベートーヴェンのチェロ・ソナタ全集とか、バッハの無伴奏チェロ、あるいはドボコンなど、いずれも今現在もし再録音したなら、旧盤とはまた一味もふた味も異なる名演に結実するのではないかと、そんな予感が私には有ります。
多分そのうちに出てくると思っているのですが、そういう状態がもう何年も続いているので、少し気になりますね。
ヤンソンス／バイエルン放送響によるチャイコフスキーの交響曲第５番
チャイコフスキー 交響曲第５番
ヤンソンス／バイエルン放送交響楽団
BrKlassik ２００９年ライヴ 900104
マリス・ヤンソンスがバイエルン放送交響楽団を指揮した、チャイコフスキー交響曲第５番のＣＤを聴きました。
これは先週、サントリーホールで購入したディスクなのですが、本来なら今月の下旬にリリースされるところを、ホールで先行的に販売されていたものです。
収録の演奏は今年の１０月９日、ミュンヘン・ガスタイクのフィルハーモニーでの演奏会のライヴですので、かなりのスピードリリースになりますね。
ところでヤンソンス指揮のチャイコフスキー交響曲第５番のディスクには、既にオスロ・フィルとの有名な録音があるのですが、そのオスロ・フィル盤は、ちょうど私が今聴き進めている「シャンドス３０周年ＢＯＸ」収録盤の中に含まれていますので、この機会に聴き比べてみました。
左が今回リリースの新譜、右がシャンドスの旧録音です。
まず今回の新譜を聴いてみると、全体的に遅めの安定感のあるテンポを持続させた、重量級のアンサンブル展開が素晴らしく、その圧倒的なダイナミック・レンジといい、バイエルン放送響のアンサンブルのズシリとしたバスのふくよかな量感といい、強奏時の圧し掛かるようなトッティの凄い質量感といい、すこぶる聴き応えのある、まさに重厚な感触のチャイコフスキーが披歴されています。
もっとも、これは聴く前からある程度予想された範囲の演奏であることも事実で、先日聴いた同じ顔合わせでのブルックナーの７番のＣＤや、先週の来日公演での実演の様子から、このチャイコフスキーもおそらくこういう感じだろうという私のイメージに、概ね沿った内容でした。
したがって、そのブル７のＣＤや先週の実演を聴いて感じた疑問点を、ここでも同程度に感じたのでした。つまり、ヤンソンスとしての主体的な表現付けがおしなべて大人しいという側面です。
続いて、オスロ・フィルとのシャンドス盤を聴いてみたのですが、こちらの演奏では、全体的に基調テンポがバイエルン放送響盤よりもひとまわり速くて、表情もずっとアグレッシブであり、響きの重厚感やアンサンブルの立体感などでは新譜に及ばないとしても、こちらの旧譜のほうが色彩的などぎつさやフレージングの鋭角性などが冴えている感じがあり、ひいては、ヤンソンスの能動的な表情形成の個性感が、よりくっきりと刻印されているような印象を聴いていて感じました。
つまり双方の演奏とも、ある面では素晴らしいのですが、ある面では物足りなくて、その足りない部分というのを各演奏がどうも相互に補完的に備えている関係にあるような、そんな気がします。
なぜそうなるのかについては、よく分りませんが、ヤンソンスがバイエルン放送響の統率自体に集中力を要し過ぎて、オスロ・フィルでの演奏で聴かせたような際立った個性感を演奏に付帯する余裕がないのかも知れないですし、あるいはバイエルン放送響のオケとしてのカラーを踏まえて、敢えてオスロ・フィルより穏健な表情形成を選択しているのかも知れません。
以上、このチャイコフスキーは名演だと思うのですが、それだけに惜しいなという気持ちも含めて、結論としては先週掲載したブル７のＣＤと、概ね同じ地点に落ち着いたなというのが率直な感想です。
バレンボイム／ベルリン・シュターツカペレによるベルクの歌劇「ヴォツェック」全曲
ベルク 歌劇「ヴォツェック」全曲
バレンボイム／ベルリン・シュターツカペレ
テルデック １９９４年ライヴ WPCS-5649/50
ベルクの歌劇「ヴォツェック」につき、先週のケーゲル／ライプツィヒ放送響の全曲盤に続いて、今日はダニエル・バレンボイム指揮ベルリン・シュターツカペレの演奏による全曲盤を聴きました。
これは１９９４年４月のベルリン国立歌劇場での上演のライヴ録音で、ヴォツェックにはフランツ・グルントヘーバー、マリーにはヴァルトラウト・マイヤーが配されています。
このバレンボイム盤は世評も高くて、このオペラの全曲盤としては往年のベーム盤に代わる現在のスタンダードとして位置づけられる録音のようですので、私もこの機会にじっくり耳を傾けてみました。
全体を聴いての印象ですが、オケ・歌手・音質、ともにかなり高いレベルでまとまっているという感じがします。特に外題役のグルントヘーバーが出色で、前半あたりは抑制を効かせて、ヴォツェックの鬱屈した心情をリアルな息づかいで表現するのですが、ストーリーが後半に進むに従い、徐々にヴォツェックの人間性が破壊されていく様が、抜き差しならないまでの迫真さで描き出されていて、終盤あたりなど聴いていて身の毛もよだつというのか、とにかく壮絶なまでの歌唱ぶりです。
こういう歌唱を耳にすると、やはりヴォツェックという役柄には、ある種特有の適性が要求されるような気がしますね。ワーグナー歌手のカラーとは明らかに違う、さりとてドイツ・オペラとしての様式において、ヴェルディ・バリトンにも務まらない、なかなか難しいですが、その意味において、このバレンボイム盤に聴くグルントヘーバーのヴォツェックは、そのひとつの理想形を示していると言えるのではないでしょうか。
対してマリー役のヴァルトラウト・マイヤーは、確かに張りと艶を兼ね備えた見事な歌唱を披歴しているのですが、高音域に弱さがあり、肝心なところで突き抜け切らないなという印象を感じます。それは本来メゾ・ソプラノのマイヤーがソプラノ歌手向けのマリーを歌う以上、必然的とも思えるのですが、歌唱自体は立派なだけに、惜しいと思いました。
バレンボイム指揮するベルリン・シュターツカペレの演奏は、精緻さと大胆さを兼ね備えた表現、というべきでしょうか。ここでの全幕の演奏タイムは９５分ですが、先週のケーゲルの全曲盤では８５分ですから、平均テンポはケーゲル盤よりも遅めということになります。しかし聴いていると、速いところは相当に速いので、要するに緩急のレンジを大きく設定した、起伏感の豊かなオーケストラ・ドライブであると言えるでしょう。緩やかな速度の場面ではベルクの精妙なテクスチャの綾を解きほぐすかのような繊細な音を出すかと思うと、速いテンポの場面ではオケを激しく煽ってアグレッシブに攻め立てる、そんな強度なメリハリが聴いていて確かに魅力的です。ただ、それは同時に諸刃の剣ともなる危うさも孕んでいるような気もします。
というのも、こういう様式のオーケストラ・ドライブはワーグナーには合うと思うのですが、このオペラには必ずしも合わないような感じが聴いていて付きまとうからです。つまり緩急を効かせてドラマティックな振幅を強調するよりは、むしろ緩急を殺して淡々と歩を刻む方が、かえって音響的な凄味が増幅するように思えるからで、例えば先週聴いたケーゲル盤のような即物的なテンポの方が、このオペラには合うのではないかと私には思われます。
実際、このバレンボイム盤とケーゲル盤とでオケの響きを比べてみると、ケーゲル盤の方が音楽としての苦味の色合いというか、それこそ地獄の底でうめくような絶望的な響きの感触が強くあるのに対し、バレンボイム盤の方は、確かに聴かせどころでのパワフルな迫力には途方もないものがあるのですが、アンサンブルの響きの洗練度が強いぶんだけ、そういうドス黒いまでの音響的な凄味が、相対的に薄くなっている憾みがあります。
以上、私の印象として、このバレンボイム盤はヴォツェックを歌うグルントヘーバーの歌唱の素晴らしさに対し、バレンボイムのオーケストラ展開にはいまひとつの疑問が残るものでした。音質が非常に良いだけに、惜しいのですが、それでもオケ・歌手・音質の際立ったバランスの良さにおいて、これは確かにハイレベルの充足感を有する、現代の「ヴォツェック」屈指の録音のひとつだと実感させられるものでした。
バイエルン放送交響楽団来日公演の感想（後半のワーグナーについて）
一昨日のサントリーホール、バイエルン放送交響楽団来日公演の感想の続きですが、今回はコンサート後半に演奏されたワーグナーについて書きます。
オーケストラ配置は前半と同じで、向かって左から第１ヴァイオリン、第２ヴァイオリン、チェロ、ヴィオラと並べた変則シフトでしたが、編成は１６型に拡大されました。
まずタンホイザー序曲で始まったのですが、ややリミッターの掛かったような前半のドボコン（それでも十分に厚ぼったくて、重量級でしたが）での鳴りとひき比べても、見違えるばかりのズシリとした質感とギッシリとした密度感、それに法外なまでにダイナミックな音響的迫力が披歴され、いきなり度肝を抜かれる思いでした。
まさにワーグナーこそ我らが本領と、言わんばかりに水際立ったアンサンブル展開から繰り広げられる、重厚壮麗を極めたような響きがホールを満たし、続くジークフリートのラインへの旅と葬送行進曲（ホルンの豪快なこと！）、ワルキューレの騎行（トランペットの濃厚な鳴りっぷり！）、そしてアンコールのローエングリン第３幕への前奏曲（勇壮無比なトロンボーン！）まで含め、とにかくもう聴いていて湧き起こる興奮を抑えるのに精一杯でしたし、このオーケストラにはそれこそワーグナーが乗り移っているのかとまで思われた瞬間が、一体何度あったかと思うくらいでした。
しかし、この演奏を今の時点で冷静に振り返ってみると、決してワーグナーが乗り移っているかとかのオカルトではなくて、ひとえにヤンソンスの練達の指揮と、オーケストラの並はずれたポテンシャルとから必然的に導かれた結果なのだなという認識に到りました。正直、当夜は私も頭がちょっと思考停止に近いくらいだったので、ほとんど何がなんだか状態だったのですが、今ふりかえると、いくつか思い当たることがあるので、それについて書きます。
まずはオケの配置パターンですね。当夜の演奏ではヴィオラがステージ向かって右の客席正面側に置かれたのですが、これは非常に珍しいパターンで、この配置を取る指揮者は、例えばスクロヴァチェフスキ等ごく少数に限られるはずです。
この配置の狙いというのは要するにヴィオラを重視すること、つまり内声重視かつ中音域重視にあるのですが、私が当夜のワーグナーを聴いて感心させられた特徴のひとつが、まさにそれであり、いわば異常なまでの内声の浮き上がりぶりと、中音域の圧倒的な充実感です。
もともとバイエルン放送響は、ドイツのオケの中でも際立って重量感が豊かで、ことにバスの強さなどはすこぶるつきなのですが、ヤンソンスは敢えてハーモニーの内声ならびに中音域を重視するという意識をアンサンブルに浸透させることにより、ものすごく立体的なハーモニーをアンサンブルからひねり出したのではないかと、そんな風に私には思えます。
もうひとつは、このオーケストラの底知れないポテンシャルに関してなのですが、とにかく聴いていてアンサンブルが安定無比で、どんなにテンポが速まっても些かも線がぶれず、最強奏においてさえ個々のフレーズが微塵も揺るがず、逆に最弱奏においてさえ揺るぎないフレージングの定着感があり、つまりはアンサンブルとしての圧倒的なまでの求心力というか一体感が比類ないのでした。
この点、私はちょうど昨年の今ごろ、同じホールでサイモン・ラトル率いるベルリン・フィルの来日公演を聴いたのですが、そこでは各奏者のテクニックの呆れるほどの上手さに、聴いていて惚れぼれしたことを覚えています。しかし、当夜のバイエルン放送響はと言うと、各奏者が個別に上手いというより、オケ全体がべらぼうに上手いというのか、それ自体がひとつの楽器かと思われるくらいにアンサンブルが高められていて、それがヤンソンスのタクトに対して機敏に反応し切るので、聴覚のみならず視覚的にも度肝を抜かれたのでした。
それにしても、今書いたような２点の特質は、ＣＤだと実感が難しいのではないでしょうか。ヴィオラのポジショニングなどをＣＤから聞き分けるのは至難の業ですし、アンサンブルの技術力にしても、基本的に編集が介在し得るＣＤでは、そのオケが本当に凄いのかが、いまいち確信を持ちにくいように思えるからです。しかし実演では何ら誤魔化しの余地がないので、それこそ否も応もないくらいに、容赦なく実感が湧きますね。これは自省の意味で書くのですが、やはりＣＤの演奏だけ聴いて、演奏主体についてあれこれ判断することには、自ずと限界があるなと、改めて思い知らされました。
この圧倒的なワーグナーにおいて、わずかに画竜点睛を欠いたと思われた点は、全体にある種のどぎつさや意外性が足らなかったことでしょう。これは最近聴いたＣＤでも感じたのですが、ヤンソンスの指揮は、アンサンブルを秩序立てて豪快に鳴らせることにかけては本当に素晴らしいのに、こと自己主張としての強烈な個性の刻印となると、とたんに大人しくなるのですが、それが私には勿体ない気がしました。
以上、２回にわたり書きましたが、久々にコンサートホールでもの凄い興奮を味わった演奏会でしたし、先週聴いたゲヴァントハウス管といい、ドイツの名門オケというのは、やはり演奏水準が尋常でないなと、改めて感嘆させられたコンサートでした。
