バックハウスとベーム／ウィーン・フィルによるブラームスのピアノ協奏曲第２番（デッカのスタジオ盤）
ブラームス ピアノ協奏曲第２番
バックハウス(pf) ベーム／ウィーン・フィル
デッカ １９６８年 POCL-9928
先週リリースされたバックハウスとベーム／ウィーン・フィルの共演によるザルツブルグ・ライヴについての感想を、一昨日書いたのですが、それを耳にしたのに続いて、同じ顔合わせでデッカにスタジオ録りされたブラームスの第２コンチェルトの録音を久々に聴いてみました。
一昨日のザルツブルグ・ライヴが６８年８月の演奏だったのに対し、このスタジオ録音は６７年４月のものですが、バックハウスの死去は６９年７月ですので、双方とも最晩年の時期に係る録音になりますね。
両演奏を対比してみると、全４楽章の演奏時間はもとより、造型の取り方やフレージングの付け方といった特徴も概ね共通していて、バックハウスとしてほぼ盤石に固まった演奏様式であることが伺われます。
ところで、一昨日は「やはりライヴならではの良さというものはある」と書いたのですが、今回あたらめてスタジオ盤を耳にし、ライヴのそれと比べてみると、どうも逆に「スタジオ盤ならではの良さ」というものも確かにあるのだなということを感じました。それを端的に言うなら、「完成度」と「音質」という点になります。
完成度についてはスタジオ録りである以上言わずもがなですが、むしろ驚異的なのは音質でしょう。昨日も書きましたように、ザルツブルグ・ライヴの音質も決して悪くはなく、むしろ年代を考えると上質だと思うのですが、それでもこのスタジオ盤の音質と、こうしてひき比べると少なからぬ遜色感を否めない感じがします。その印象が特に強いのがウィーン・フィルのアンサンブルの響きにおいてであり、両盤を比べてみると、オーケストラの響きの強さがこちらのスタジオ盤の方が大幅に勝っていて驚かされるくらいです。
しかし、この点に関して私がむしろ印象深く思ったのは、これだけ両盤でオーケストラの響きの色彩感に差違が認められるにもかかわらず、バックハウスのタッチの感触自体は、双方において少なくともオケほどには差違が大きくないように感じられることです。なまじバックのオケの響きの色彩的な差違が顕著なだけに、なおさらそれが聴いていて強く意識されます。
この点に関し、実は一昨日は時間が無くて書かなかったのですが、今回リリースされたザルツブルグ・ライヴのブックレットには、ゴッドフリート・クラウスの簡単な演奏評が掲載されていて、それが私にはちょっと興味深く思えたのでした。
そこではバックハウスのピアニズムについて、クラウスは「A Unity of the Traditional and the Contemporary」という表現を用いて称賛しています。
つまり伝統性と現代性の融合という風に評しているわけですが、この表現は私の感覚からしても、言い得て妙だなと感じました。というのも、バックハウスのピアニズムには、確かにそういう独特の２面性があると思われるからです。
例えばこのブラームスにしてもそうで、そのピアニズムにおける造型形成やフレージング展開においては、いわゆるロマンティック様式に傾斜しない、明らかに古典的なものであって、それは新古典的という切り口からすると当時としてはモダーンな表情付けなのでしょう。しかし、そういう現代的な様式にしては、その個々のタッチの色彩感が、およそ現代的なピアニズムの華やかさに対し敢然と背を向けたような、禁欲的なくらい飾らない、枯淡で質朴な音色となっていて、それは現代的というよりむしろドイツ伝統の響きに深々と根ざしたピアニズムを指向しているような感じがします。
こういう背反性が、確かにバックハウスのピアノにはあると思うのですが、それをクラウスは伝統性と現代性の融合という言葉で端的に言い表してみせたので、それを読んで思わずハッとしたのでした。さらにスタジオ盤を聴いてみて、そのことを改めて実感したのですが、その理由は前述のとおりです。
私の印象としてもバックハウスのようなピアニズムの持ち主は、ほとんど他に例が無いように思っていたのに、何故そうなのかという理由については今一つ確信が無かったので、前記のようなクラウスの視点は、ちょっと印象深い感じがしました。
バックハウスとベーム／ウィーン・フィルのザルツブルグ音楽祭でのモーツァルトとブラームスの協奏曲
モーツァルト ピアノ協奏曲第２７番、
ブラームス ピアノ協奏曲第２番
バックハウス(pf) ベーム／ウィーン・フィル
オルフェオ １９６０年・６８年ライヴ ORFEOR796091
ドイツの名ピアニストであるヴィルヘルム・バックハウスがザルツブルグ音楽祭においてカール・ベーム指揮のウィーン・フィルハーモニー管弦楽団と共演したモーツァルトとブラームスの協奏曲のライヴ盤が、オルフェオレーベルより先週リリースされました。
２曲ともザルツブルク祝祭大劇場でのコンサートの収録で、モーツァルトは１９６０年、ブラームスは１９６８年の演奏です。
モーツァルトの２７番、ブラームスの２番、ともにバックハウスとベーム／ウィーン・フィルはデッカレーベルにスタジオ録音を残していますが、それらは２１世紀の現在においても確固たる評価を享受する名盤であるところ、これら２曲の、同じ顔合わせによるライヴ録音を組み合わせたＣＤというのは、それこそ夢のようなリリースですので、速攻で入手し聴いてみました。
心配された音質は、予想以上に良くてホッとしました。２曲ともモノラル収録ながら、聴いていてモノラルなことを忘れるくらいの音場の拡がりが確保されていますし、ソノリティの鮮明感、実在感ともに上々で、部分的には高音域がもう少しほぐれていたらと感じることもありますが、リマスタリングとしてはまず上質の部類に入るのではないでしょうか。
肝心の演奏も素晴らしいですね。両雄のスタジオ盤の表現にライヴの生々しい臨場感が加味されて鬼に金棒、と言ってしまえば簡単ですが、やはりライヴならではの良さというものはあるもので、この２曲の演奏を聴いていて、往時のバックハウスとベーム／ウィーン・フィルというのは、互いにとって如何に掛け替えのない関係にある個性なり特性なりを備えていたか、そして彼らの共演において如何にそれが強く増幅されるか、その雰囲気がスタジオ盤よりも強く刻印されているように思います。聴き終えて深々とした感銘の残る演奏でした。
余談ながら、ここでのモーツァルトは、やはり旧版のスコアで演奏されているようですね。第１楽章の(1:36)で、現行版にあるはずの７小節の楽節が抜けているのが確認されます。
ライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団来日公演の感想
昨日のサントリーホール、ライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団の公演の感想です。
オーケストラの配置は向かって左から第１ヴァイオリン、チェロ、ヴィオラ、第２ヴァイオリンと並べた対向配置で、編成は前半のメンデルスゾーンが１４型、後半のブルックナーが１６型でした。
まずメンデルスゾーンの「宗教改革」ですが、昨日も書きましたが「初期稿」と呼ばれる版で演奏されました。第１楽章の第２テーマの直前に聴いたこともないメロディが出てきたり、確かに聴いていてオヤッというような新奇さが印象的でしたが、異版としての鮮烈性そのものは、最近シャイー／ゲヴァントハウス管のＣＤで耳にした、「スコットランド」のロンドン版ほどには際立っていないようにも思えました。
しかし演奏自体は素晴らしく、上記「スコットランド」のＣＤを聴いて感じたことが、当該実演でも概ね当てはまるものでした。
アンサンブルは第１楽章から響きの立ち上がりが異常に良く、早くもエンジン全開という風で、推進的なテンポの颯爽とした音楽の構えから、密度感ぎっしりの充実した音響が披歴されましたし、強奏時のアンサンブル展開でもＣＤ同様、激しいアクセントを伴う弦の刻みが聴かれ、聴かせどころでのホルンやトランペット強奏の味の濃い響き、ティンパニの闊達なアクティビティなど、いずれも聴いていて惚れぼれするばかりでした。
そもそもメンデルスゾーンの「宗教改革」は、作品自体はそれなりに底の浅いものでもあると思うのですが、これだけ熱のこもった演奏で聴かせられた日には、やはりグイグイと惹き込まれてしまいますね。いくらメンデルスゾーンゆかりのオーケストラであっても、指揮者が例えばクルト・マズアだったらどうか、という気もするので、この感銘深い演奏の出来ばえは、そのようなオーケストラの矜持に加え、シャイーの指揮の殊勲に負うところもかなり大きいのではないかと、聴き終えて思いました。いずれにしても、これは大変な聴きものでした。
後半のブルックナー交響曲第４番では、前半のメンデルスゾーンよりはテンポを落としつつ、シャイー特有の流動的でしなやかなアンサンブル展開から、１６型の深々としたソノリティの広がりを聴き手にじっくり聴かせるというような、手堅い運用を基本としながら、ここぞという時には強烈なまでの変わり身の速さで、ドラマティックな起伏力を聴き手に存分に印象づける、そんな演奏でした。例えばクレッシェンドから全強奏に移る瞬間に、感極まったようなテヌートを披露する場面が何遍も聴かれましたし、最弱奏と最強奏の間のダイナミックレンジの途方もない広がりといい、トッティでのホルンやティンパニの猛烈な鳴りっぷりといい、いずれも手堅い一辺倒でないスリリングなまでの迫力と、美しい一辺倒でない荒々しい表出力とが確として刻印されていたので、その聴きごたえは確かに並々ならないものでした。
もっとも、このような演奏様式は、私が最近ＣＤで耳にしたブロムシュテット／ゲヴァントハウス管のブルックナー６番に聴かれるものとは、方向性において少なからぬ隔たりが感じられたのも事実で、昨日書いたところの「留保」というのも、そのあたりに関係してきます。
というのも、そのブロムシュテットの演奏は折り目正しい職人気質的な運用であって、そこには安心して音楽に浸れる造型の揺るぎない安定感があり、それゆえにゲヴァントハウス管が持つアンサンブルの美質そのものが前面に仮借なく押し出される形にもなり、実質的な意味での音楽としての訴えかけの素晴らしさや、聴いていて「本場のブルックナー」としての醍醐味を満喫させてくれるような演奏の雰囲気に、私は強く惹かれたのですが、その感じから計ると、本演でのシャイーの表現は演奏としての深みの度合いとして、ブロムシュテットの水準には到達していないような印象を最後まで拭えなかったからです。確かに聴きごたえは並々ならないのですが、その割に聴いていて深い演奏だな、という感覚が充分に追随しないもどかしさ、というべきでしょうか。
これはどういうことかと考えるに、やはりシャイーの指揮というのが根本的に、ブロムシュテットのような実質的な音楽としての訴えかけというより、もっと感情の赤裸々な動きを重視したり、感覚的な方面に対する愉悦を志向したりするところに、要因のひとつがあるのではないかという気がします。
おそらくメンデルスゾーンやシューマンといった、ロマン派の激しい情熱を押し固めたような作品であれば、様式的にも最適に近い上に、これらの作品に対するゲヴァントハウス管のずば抜けた適性も十二分に発揮され、ひっきょう圧倒的な表出力に昇華されるようなメカニズムになっていると思うのですが、これがブルックナーのようなロマン派の範疇から激しく逸脱する作品となると、このようなメカニズムも百パーセントの機能性を発揮するまでには、必ずしも到らないのではないか、、、もちろん、演奏としての深みの度合いという、甚だしく抽象的なものさしを、こんなシンプルな解法で円満に解決しようなんて絶対にムリなのは分かっていますが、ただ深みが云々と言うだけでは、あまりに生産性がないので、とにかく私なりに思うところを率直に書いてみました。
それにしてもゲヴァントハウス管のアンサンブルというのは、本当にいい音を出していて、これはもう聴き惚れるばかりでした。少なくとも日本のオケには、ちょっと出せないような趣きがあるというのか、例えばシャイーの棒で激しく煽られる局面においてさえ、その奥の方には同楽団の地肌の響きの温もりが常にデンと構えたような定着があり、ウィーン・フィルのような色合いとはまた異質ながらも、そこにはドイツの深々とした伝統のようなものが、やはり揺るぎなく下敷きになっているんだなと、聴いていて素直に納得させられる思いでした。
以上、本公演は多少の留保は付くとしても全体的には満足のいく内容でしたし、民営のオーケストラとしては世界最古とされるゲヴァントハウス管の、その無形文化財をも思わせる掛け替えのない美質に対し、聴いていて自然に意識を向けさせてくれるような演奏であった点も含めて、私には極めて意義深いコンサートでした。
ライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団の来日公演（サントリーホール １１／２）
今日はサントリーホールでライプツィヒ・ゲヴァントハウス管弦楽団の来日公演を聴いてきました。
指揮者は同楽団の現在のカペルマイスターであるリッカルド・シャイー。演目は前半がメンデルスゾーンの交響曲第５番「宗教改革」、後半がブルックナーの交響曲第４番「ロマンティック」でした。
もっとも、メンデルスゾーンの「宗教改革」は通常の版ではなく、「初期稿」と呼ばれる版で演奏されました。
この「初期稿」というのは私は初耳なのですが、ロビーで購入した公演プログラムによると、クリストファー・ホグウッドの校訂に基づき、先日ライプツィヒで演奏されたばかりの版とのことです。しかし肝心の、通常版との具体的な相違点については、残念ながら何も書かれていません。
それはさておき、ゲヴァントハウス管弦楽団というと、私は最近リリースされた２つのＣＤを耳にしたのですが、いずれも素晴らしい内容と思えるものでした。ひとつはシャイーの指揮による「メンデルスゾーン・ディスカバリー」と銘打たれたアルバム、もうひとつがブロムシュテットの指揮によるブルックナーの６番です（それぞれの感想は各リンク先に掲載してあります）。
この点、今日の公演は前半メンデルスゾーン・後半ブルックナーと、ちょうどいい案配でしたので、これ幸いとホールに足を運んだ次第です。
印象としては、前半のメンデルスゾーンは、まあ期待通りでした。後半のブルックナーも、概ね良かったと思うんですが、こちらは少し留保を付けたいと思います。そのあたりの感想は後日、あらためて出します。
ベーム／ベルリン・ドイツ・オペラ管によるベルクの歌劇「ヴォツェック」全曲
ベルク 歌劇「ヴォツェック」全曲
ベーム／ベルリン・ドイツ・オペラ管弦楽団
グラモフォン １９６５年 POCG-9072/5
今月の下旬に、新国立劇場でアルバン・ベルクの歌劇「ヴォツェック」が上演されるのですが、それを観に行く予定です。それまでに予習がてら、ＣＤの「ヴォツェック」全曲盤をいくつか聴いておこうと思います。
まず今日はカール・ベーム指揮ベルリン・ドイツ・オペラ演奏のグラモフォン盤をひととおり聴きました。
「ヴォツェック」は、今でこそ私の好きなオペラ作品のひとつですが、昔はそうでもなくて、むしろ取っ付きにくいオペラだと思っていました。具体的には�〔議瓦能颪�れていることによる、旋律面での取っ付きにくさと、�▲轡淵螢�が暗くて救いが無いことによる、ストーリーとしての取っ付きにくさです。
この「２重の取っ付きにくさ」のうち、�，亡悗靴討蓮∪鏝紊里い錣罎觚渋絏山擇房�を通す機会が増えるにつれて解消していきましたし、�△亡悗靴討癲∪里呂箸發�く少なくとも今では、それほど暗いストーリーでもないなという感じがしています。
というのも、ここ数年来マスコミを通じて、このオペラの筋と似たような雰囲気の、それこそ暗くて救いのない「現実の事件」が、かなり頻繁に報道されるようになったからです。
その最も分かりやすいものとしては、例の秋葉原連続殺傷事件が挙げられるでしょうね。報道などで知るかぎり、私の目にはあの事件の、確か加藤なにがしという犯人が、まるで「現代のヴォツェック」みたいに映ったのですが、その後に起きた類似の事件、例えば茨城の土浦で起きた連続殺傷事件だとか、中央大学で起きた教授刺殺事件だとか、そういうのも含めて、いずれも詰まるところ「貧困による衝動的な殺人」なのであって、その底知れない闇においては、多分このオペラとも深いところで繋がるものがあるのかも知れませんが、いずれにしても、こういった凄惨な現実の事件が頻繁に報道される最近の情勢においては、もはや「ヴォツェック」のストーリーがことさら暗いとは感じられなくなってしまった、ということです。
そして、以上のような２重の取っ付きにくさが取り払われた目でこのオペラを眺めて見ると、改めて音楽としてのエネルギーが如何に尋常でないかが良く実感されますし、むしろその救いのないストーリー自体が、この強烈なエネルギーの放出力を増幅するために必要不可欠であるかのようにさえ思われもします。とにかく、この「ヴォツェック」には、少なくともそれまでのオペラ作品とは一線を画する、途方もない音響的衝撃力があり、そのあたりが時に「２０世紀最高のオペラ」とさえ言われる絶大な評価の所以でもあるのでしょう。
このベーム／ベルリン・ドイツ・オペラ盤は、言うまでもなく「ヴォツェック」の古典的名盤ですが、カール・ベーム指揮の「ヴォツェック」全曲盤にはもうひとつ、以下のディスクもリリースされています。
ベルク 歌劇「ヴォツェック」全曲
ベーム／ウィーン国立歌劇場管弦楽団
アンダンテ １９５５年ライブ AN3060
私は上記のライヴ盤を昨年購入し、その感想を以前に書いているのですが、実はその中で、今日聴いたスタジオ盤にもライヴ盤と対比する形で言及しています。今日あらためて聴いた限りでも、以前の印象と同じですし、それをもって本盤についての私の感想に代えさせて頂きます。
キタエンコ／ケルン・ギュルツェニヒ管によるショスタコーヴィチ交響曲全集
ショスタコーヴィチ 交響曲全集
キタエンコ／ケルン・ギュルツェニヒ管弦楽団
Capriccio ２００２〜０４年（一部ライヴ） C49545
今日はドミトリー・キタエンコ指揮、ケルン・ギュルツェニヒ管弦楽団の演奏によるショスタコーヴィチ交響曲全集（ＳＡＣＤハイブリッド１２枚組ボックス）のうちの、交響曲第４番から番号順に第７番までのＣＤをひと通り聴きました。
私は以前、キタエンコとケルン・ギュルツェニヒ管のコンビによるプロコフィエフの交響曲全集を聴いて、その素晴らしさに仰天したのですが、そのプロコフィエフ全集同様、このショスタコーヴィチ交響曲全集に関しても、インターネット上の少なからぬサイトで絶賛されており、ぜひ聴いてみたいと思っていました。ところが、このショスタコーヴィチ全集の方は２００５年にリリースされた後、メーカー在庫切れのため、しばらく入手不能の状態が続いていたようなのですが、今月になって再リリースされるようになり、それを先日ネットで注文したところ、昨日の夜に届いたという次第です。
それでさっそく交響曲第４番のＣＤから聴いてみたのですが、これが期待通りというより期待以上の素晴らしさで、その圧倒的な表出力に聴いていて言葉を失う、そんなレベルの演奏でした。
第１楽章冒頭あたりの凄絶ぶりからもの凄く、(1:34)の全強奏の破滅的な色彩など問答無用の凄みを放ち、(4:58)あたりの張り詰めた雰囲気も尋常には程遠く、以降もどっしりとした揺るぎないテンポ感から、先のプロコフィエフ全集同様、アンサンブルの表現力に満ちた高声の鳴りっぷり、そして質感豊かで訴求力に満ちた低声の充実感とが、こよなく強調されていて、それが異常なほどの音楽の緊張感をブーストさせ、それにＳＡＣＤ仕様の高音質が加わり、実に恐ろしいほどの聴きごたえがもたらされています。
中盤の(17:25)からの弦のフガートにおいては奈落の底が口を開いたような壮絶な雰囲気が立ち込め、(19:49)あたりのクライマックスに到っては、あまりに凄いので聴いていて気が動転するくらいで、もう正気を保っているのが精一杯という有り様でしたし、(23:27)からの再現部では、かつて聴いたこともないような猛烈なテヌートを仕掛けて強烈無比な起伏を作り出し、その狂気的な音景に半ば押し潰されそうな体でコーダまで聴き通しました。
第２楽章と終楽章も含めて、このキタエンコ／ケルン・ギュルツェニヒ管によるショスタコーヴィチの４番は、その熾烈を極める演奏展開が実に容赦なくリアルに迫ってきて、果ては人間の実存自体に纏わる恐怖といった観念に思いを巡らせられる地点にまで、聴き手を引き摺りこむかのような、そんな途方も無い演奏でした。
それにしても、２１世紀の現代において、これほどのショスタコーヴィチを表現できる指揮者が存在するというのは私にとって少なからぬ驚きでもあり、かつてモスクワの楽壇で活動したというキタエンコの経歴から察するに、往時の旧ソ連に立ち込めていた何がしかの異常な空気のようなものが、この演奏には封じ込められているのではないかとか、演奏を聴きながら、ふとそんなことを思ったりしました。
そのあと５番、６番、７番と聴いたのですが、こと表出力においては前述の４番と同格で、素晴らしいのですが、惜しいことに完成度面では若干ながらムラがあるようですね。
というのも、この全集の録音形態はスタジオ録りとライヴ録りとが混在しているのですが、ライヴ録りの方において若干のミスが聴かれるからです。例えばライヴ録りの交響曲第７番の第１楽章コーダ(24:50)で、弦の一部が盛大にフライングしているのが耳を捉えます。
ともあれ、このキタエンコのショスタコーヴィチ全集、残り１１曲も時間をみつけてじっくり聴かせてもらうつもりでいます。
